Seminario "SOLD OUT. Performance y públicos en la sociedad neoliberal"

En al arranque de la tercera década del siglo XXI, la performance, en su diversidad e indefinición, está perfectamente integrada en el sistema internacional del arte contemporáneo. La presencialidad de la performance, su supuesta inmediatez, parece conectar a la perfección con las demandas de unos públicos deseosos de nuevas experiencias. En consecuencia, en las últimas dos décadas, museos y comisarixs han desarrollado un amplio repertorio de estrategias a través de las cuales integrar las artes vivas en sus exposiciones temporales, colecciones y programaciones: performance delegadas, visitas y conferencias performativas, re-enactments a partir de partituras, en ocasiones con el apoyo de mediadorxs, etc. De este modo, las instituciones ofrecen a sus públicos experiencias siempre renovadas que ya no solo consisten en contemplar, sino, más bien, en actuar, en participar, en hacer de manera diferente.

Con todo ello, pudiera parecer que los públicos -visitantes, espectadorxs, receptorxs, usuarixs, participantes, audiencias, etc.- están adquiriendo un nuevo protagonismo en el campo del arte contemporáneo. Sin embargo, sigue siendo muy difícil hablar sobre públicos, y, en concreto, sobre sus experiencias en las salas de exposiciones. Difícil, sobre todo, cuando hablamos de proyectos sobre danza o performance, en los que nos encontramos con piezas, por lo general no objetuales, que interpelan o se dirigen de una manera poco convencional a los cuerpos de lxs espectadorxs. En el marco del proyecto de investigación Los públicos del arte y la cultura visual contemporáneas en España y coincidiendo con el día internacional de la danza (29 de abril), el seminario Sold Out. Performance y públicos en la sociedad neoliberal trata de generar una reflexión colectiva a propósito de las siguientes preguntas: ¿Cómo transforma la performance la experiencia de los públicos en el espacio expositivo?, ¿cuáles son las potencialidades, limitaciones y peligros que plantean los cuerpos performando delante de -o junto a- otros cuerpos en el museo?, ¿cómo ha modificado la relación entre artista, instituciones y públicos el hecho mismo de que lxs espectadorxs se conviertan, de manera voluntaria o no tanto, en performers?

Ante estas nuevas realidades, parece pertinente preguntarse si la capacidad de acción -la agencia- de los públicos se ha visto realmente ampliada o si sigue estando limitada por el papel un tanto parternalista del museo, empeñado en convencernos de que es mejor hacer que mirar, que nos activa para ser siempre productivos y creativos. Lo cual, no podemos perder de vista, encaja a la perfección con las lógicas hiperproductivas del capitalismo actual y con las formas de subjetivación propias del neoliberalismo.

Programa

16,00-17,00 h. Cláudia Madeira, Meta-públicos da performance [en portugués]

17,00-18,00 h. Blanca Molina, Exposiciones para otra recepción de la danza

18,00-18,30 h. Descanso

18,30-19,30 h. Sabela Mendoza, El público está aquí [conferencia performativa]

19,30-21,00 h. Long Table

En el marco del proyecto Los públicos del arte y la cultura visual contemporáneas en España. Nuevas formas de experiencia artística colectiva desde los años sesenta (PID2019-105800GB-I00) y del grupo de investigación DeVisiones. Discursos, genealogías y prácticas en la creación visual contemporánea.

Coordinación: Juan Albarrán Diego y Olga Fernández López

Entrada libre hasta completar aforo.

Fecha y hora: jueves, 28 de abril de 2022, 16-21 h.

Lugar: Sala de Juntas, Departamento de Historia y Teoría del Arte (FyL, Xbis), Campus Cantoblanco, UAM

Bios

Cláudia Madeira es profesora en el Instituto de Comunicação de la Universidade Nova de Lisboa. (ICNOVA), donde forma parte del grupo de investigación Performance & Cognição y trabaja sobre formas de hibridismo y performatividad en las artes. Sobre estos asuntos ha publicado los libros Performance, made in Portugal (ICNOVA 2020), Híbrido. Do Mito ao Paradigma Invasor (Mundos Sociais, 2010) y Novos Notáveis: os Programadores Culturais (Celta, 2002) y ha editado los volúmenes colectivos Práticas de arquivo em artes performativas (Universidade de Coimbra, 2020) y José Marques. Fotógrafo em cena (Teatro Nacional De Maria II, 2019).

Blanca Molina es Graduada en Historia del Arte (UM, 2019) y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UAM, UCM, MNCARS, 2020). Actualmente es investigadora predoctoral contratada (FPU) en el Departamento de Historia y Teoría del Arte (UAM), donde desarrolla una tesis doctoral en torno a la institucionalización, comisariado y recepción de la danza contemporánea en museos y centros de arte españoles. Sus investigaciones giran en torno a la danza y la performance. En este sentido ha intervenido en varios congresos internacionales, destacando Fugas e interferencias. V Internacional Performance Art Conference y la Jornada Internacional "Arte Actual. Cuerpos Intervinientes, Voces Militantes" y publicado en revistas académicas.

Sabela Mendoza Fernández es investigadora, creadora y gestora cultural independiente, especializada en danza y artes performativas. Es fundadora de ‘De corpos presentes’, plataforma gallega para las artes performativas contemporáneas, y vicepresidenta de la asociación Emprendo Danza. Colabora de forma regular con el coreógrafo Javier Martín desde la producción y el acompañamiento artístico. Es co-responsable del proyecto de mediación en danza ‘Cara a unha escena plural’ junto a Caterina Varela, con quien también comparte la coordinación del Taller de Público(s) en el Teatro Rosalía Castro de A Coruña. Ha trabajado como curadora, asesora o gestora para Hablar en Arte, Teatro Pradillo, Colectivo RPM, Consultarte, TenerifeLAV, Proxecta o Curtocircuíto, entre otras. Licenciada en Derecho (UVigo), Máster en Gestión Cultural (UC3M) y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM-Artea). Se formó en danza y artes del movimiento y en 2016 estrenó la conferencia performativa “El público está aquí”, publicada posteriormente como libro por la ed. Estraperlo. En 2020 presentó “Dedicatoria”, performance de larga duración en colaboración con la poeta Nieves Neira. Escribe y habla sobre danza en diversas publicaciones y medios y en su blog acuerpodebaile.com.

Juan Albarrán es profesor en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus investigaciones se centran en las prácticas y discursos artísticos de la segunda mitad del siglo XX, especialmente en el arte español de las últimas décadas, la historia de la fotografía y la teoría de la performance. Sobre esos temas ha publicado Disputas sobre lo contemporáneo (2019) y Performance y arte contemporáneo (2019) y ha editado el volumen colectivo Arte y transición (2012, 2018).

Olga Fernández López es profesora de arte contemporáneo y estudios curatoriales del Departamento de Historia y Teoría del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Sus líneas de investigación se centran en la historia y especificidades del medio expositivo y las posibilidades críticas de la práctica curatorial. Autora del libro Exposiciones y comisariado. Relatos cruzados (Cátedra, 2020), ha comisariado la exposición Mil bestias que rugen. Dispositivos de exposición para una modernidad crítica (2017, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo) y el programa Comunidades inestables (2016, Intermediae / Matadero). Entre 2001 y 2006 fue Conservadora Jefe y Jefa de Investigación y Educación del Museo Patio Herreriano de Valladolid y anteriormente Conservadora del área de documentación e investigación de la Colección Arte Contemporáneo.